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My practice investigates landscape as a physical, energetic and temporal condition rather than as representation. I develop painting as a spatial field in which material process, bodily perception and environmental forces intersect. The work positions itself within a discourse on abstraction that understands painting not as image, but as event: a site where matter, movement and time become visible. My practice contributes to contemporary painting by reactivating the landscape within abstraction as a site of embodied, material and ecological inquiry.
Central to my practice is a materially driven methodology. Working wet-on-wet with pure oil paint and turpentine, I allow the dynamics of viscosity, gravity and gesture to shape the image. Construction and dissolution operate simultaneously: layers are built, disrupted and partially erased. Through this process, multiple temporalities accumulate within a single surface. The resulting paintings are (almost) abstract fields in which landscape is not depicted but enacted as energy, density and atmosphere.
My contribution lies in developing abstraction as a form of environmental translation. Performative actions in specific landscapes form the research basis of my work. During extended stays in remote environments — including Norway and Portugal — I use the body as a receptive instrument to register scale, resistance, light and spatial disorientation. These embodied encounters function as field research. The studio becomes a site of translation, where spatial and energetic experiences are condensed into the two-dimensional plane.
My recent work focuses on the landscape as an autonomous force, moving away from earlier figurative elements. I examine how abstraction can operate as a “portrait of a form”: how geological and elemental forces can be articulated without representation. Recurring questions include how human scale relates to vast natural systems, how sublimity can be approached without romanticism, and how painting can hold tension between control and contingency.
The practice unfolds in research-based series addressing site specific phenomena : darkness and light pollution, landscapes altered by extraction and climate change, and bodies of water as zones where nature and culture intersect. These contexts function as research environments through which I reflect on transformation, fragility and resilience.
I work across painting, works on paper, performance, ceramics and printmaking. The dialogue between media enables shifts in scale, tactility and temporality. Each medium acts as a testing ground for the others within an ongoing research trajectory.
Conceptually, my work engages with both Eastern and Western approaches to landscape and energy — including the Japanese concept of ma, the notion of chi, and art historical traditions of materiality and the sublime. Through abstraction, I seek to articulate landscape as lived force: unstable, layered and continuously in flux
Ingrid Simons
2026
ARTIST STATEMENT
Mijn praktijk onderzoekt landschap als een fysieke, energetische en temporele conditie, niet als representatie. Ik ontwikkel schilderkunst als een ruimtelijk veld waarin materieel proces, lichamelijke waarneming en omgevingskrachten elkaar kruisen. Het werk positioneert zich binnen een discours over abstractie dat schilderkunst niet ziet als afbeelding, maar als gebeurtenis: een plek waar materie, beweging en tijd zichtbaar worden. Mijn praktijk draagt bij aan de hedendaagse schilderkunst door landschap binnen abstractie te heractiveren als een terrein van belichaamd, materieel en ecologisch onderzoek.
Centraal staat een materieel gedreven methodiek. Nat-in-nat werkend met pure olieverf en terpentine laat ik de dynamiek van viscositeit, zwaartekracht en gebaar het beeld vormgeven. Opbouw en ontbinding werken gelijktijdig: lagen worden opgebouwd, verstoord en gedeeltelijk uitgewist. Door dit proces accumuleren meerdere tijdsdimensies op één oppervlak. De resulterende schilderijen zijn (bijna) abstracte velden waarin landschap niet wordt weergegeven, maar ervaren als energie, dichtheid en atmosfeer.
Mijn bijdrage ligt in het ontwikkelen van abstractie als vorm van ecologische vertaling. Performances in specifieke landschappen vormen de onderzoeksbasis van mijn werk. Tijdens langdurige verblijven in afgelegen natuurlandschappen — waaronder Noorwegen en Portugal — gebruik ik het lichaam als ontvankelijk instrument om schaal, weerstand, licht en ruimtelijke desoriëntatie te registreren. Deze belichaamde ervaringen functioneren als veldonderzoek. Het atelier wordt een vertaalplaats waar ruimtelijke en energetische ervaringen worden geconcentreerd op het tweedimensionale vlak.
Mijn recente werk richt zich op landschap als autonome kracht, waarbij eerdere figuratieve elementen achterwege blijven. Ik onderzoek hoe abstractie kan functioneren als een “portret van een vorm”: hoe geologische en elementaire krachten zichtbaar kunnen worden zonder representatie. Terugkerende vragen zijn hoe menselijke schaal zich verhoudt tot grote natuurlijke systemen, hoe het sublieme kan worden benaderd zonder romantisering, en hoe schilderkunst spanning kan houden tussen controle en toeval.
De praktijk ontwikkelt zich in onderzoeksgestuurde series rond locatie-specifieke fenomenen: duisternis en lichtvervuiling, landschappen veranderd door ontginning en klimaatverandering, en waterlichamen als zones waar natuur en cultuur elkaar kruisen. Deze contexten functioneren als onderzoeksomgeving voor reflectie op transformatie, kwetsbaarheid en veerkracht.
Ik werk interdisciplinair: schilderkunst, werken op papier, performance, keramiek en grafiek. De dialoog tussen media maakt verschuivingen in schaal, tactiliteit en temporaliteit mogelijk. Elk medium functioneert als testveld voor de anderen binnen een continu onderzoeksproces.
Conceptueel is mijn werk geworteld in zowel oosterse als westerse benaderingen van landschap en energie — waaronder het Japanse concept ma, de notie chi en kunsthistorische tradities rond materialiteit en sublimiteit. Via abstractie streef ik ernaar landschap te articuleren als beleefde kracht: instabiel, gelaagd en continu in beweging.
Ingrid Simons
2026
DECLARAÇÃO DE ARTISTA
A minha prática investiga a paisagem como uma condição física, energética e temporal, e não como representação. Desenvolvo a pintura como um campo espacial onde processo material, percepção corporal e forças ambientais se intersectam. O trabalho insere-se num discurso sobre abstração que entende a pintura não como imagem, mas como evento: um espaço onde matéria, movimento e tempo se tornam visíveis. A minha prática contribui para a pintura contemporânea ao reativar a paisagem dentro da abstração como um território de investigação encarnada, material e ecológica.
No centro da minha prática está uma metodologia orientada pelo material. Trabalhando wet-on-wet com tinta a óleo pura e terebintina, permito que a dinâmica de viscosidade, gravidade e gesto molde a imagem. Construção e dissolução operam simultaneamente: camadas são construídas, perturbadas e parcialmente apagadas. Através deste processo, múltiplas temporalidades acumulam-se numa única superfície. As pinturas resultantes são campos (quase) abstratos onde a paisagem não é representada, mas encenada como energia, densidade e atmosfera.
A minha contribuição reside em desenvolver a abstração como uma forma de tradução ambiental. Ações performativas em paisagens específicas constituem a base de investigação do meu trabalho. Durante estadias prolongadas em ambientes remotos — incluindo Noruega e Portugal — utilizo o corpo como instrumento recetivo para registar escala, resistência, luz e desorientação espacial. Estes encontros corporificados funcionam como pesquisa de campo. O atelier torna-se um espaço de tradução, onde experiências espaciais e energéticas são condensadas no plano bidimensional.
O meu trabalho recente centra-se na paisagem como força autónoma, afastando-se de elementos figurativos anteriores. Examino como a abstração pode funcionar como um “retrato de uma forma”: como forças geológicas e elementares podem ser articuladas sem representação. Questões recorrentes incluem a relação entre a escala humana e sistemas naturais vastos, como abordar a sublimidade sem romantismo, e como a pintura pode manter tensão entre controlo e contingência.
A prática desenvolve-se em séries de investigação que abordam fenómenos específicos do local: escuridão e poluição luminosa, paisagens alteradas pela extração e alterações climáticas, e corpos de água como zonas de intersecção entre natureza e cultura. Estes contextos funcionam como ambientes de pesquisa, através dos quais reflito sobre transformação, fragilidade e resiliência.
Trabalho em pintura, trabalhos em papel, performance, cerâmica e gravura. O diálogo entre meios permite variações de escala, tactilidade e temporalidade. Cada meio atua como laboratório para os outros dentro de um percurso contínuo de investigação.
Conceptualmente, o meu trabalho envolve abordagens orientais e ocidentais sobre paisagem e energia — incluindo o conceito japonês de ma, a noção de chi e tradições da história da arte centradas na materialidade e no sublime. Através da abstração, procuro articular a paisagem como força vivida: instável, estratificada e em constante fluxo.
Ingrid Simons
2026
BEGRUNDUNG
Meine Praxis untersucht Landschaft als physische, energetische und zeitliche Bedingung, nicht als Repräsentation. Ich entwickle Malerei als räumliches Feld, in dem materieller Prozess, körperliche Wahrnehmung und Umweltkräfte aufeinandertreffen. Die Arbeit positioniert sich innerhalb eines Abstraktionsdiskurses, der Malerei nicht als Bild, sondern als Ereignis versteht: als Ort, an dem Materie, Bewegung und Zeit sichtbar werden. Meine Praxis trägt zur zeitgenössischen Malerei bei, indem sie die Landschaft innerhalb der Abstraktion als Feld verkörperter, materieller und ökologischer Forschung reaktiviert.
Zentral ist eine materialgetriebene Methodik. Im Nass-in-Nass-Verfahren mit reiner Ölfarbe und Terpentin lasse ich die Dynamik von Viskosität, Schwerkraft und Geste die Bildentwicklung bestimmen. Aufbau und Auflösung wirken gleichzeitig: Schichten werden aufgebaut, gestört und teilweise ausgelöscht. Durch diesen Prozess akkumulieren mehrere Zeitlichkeiten auf einer einzigen Fläche. Die entstehenden Gemälde sind (fast) abstrakte Felder, in denen Landschaft nicht abgebildet, sondern als Energie, Dichte und Atmosphäre inszeniert wird.
Mein Beitrag liegt in der Entwicklung von Abstraktion als Form der Umweltübersetzung. Performative Handlungen in spezifischen Landschaften bilden die Forschungsgrundlage meiner Arbeit. Während längerer Aufenthalte in abgelegenen Umgebungen — u. a. in Norwegen und Portugal — nutze ich den Körper als rezeptives Instrument, um Maßstab, Widerstand, Licht und räumliche Desorientierung zu registrieren. Diese verkörperten Erfahrungen fungieren als Feldforschung. Das Atelier wird zum Übersetzungsort, an dem räumliche und energetische Erfahrungen in die zweidimensionale Ebene transformiert werden.
Meine aktuelle Arbeit fokussiert auf die Landschaft als autonome Kraft und entfernt sich von früheren figürlichen Elementen. Ich untersuche, wie Abstraktion als „Porträt einer Form“ funktionieren kann: wie geologische und elementare Kräfte ohne Darstellung artikuliert werden können. Wiederkehrende Fragen betreffen das Verhältnis menschlicher Dimension zu großen natürlichen Systemen, den Umgang mit Sublimität ohne Romantisierung und die Spannungen zwischen Kontrolle und Kontingenz in der Malerei.
Die Praxis entwickelt sich in forschungsbasierten Serien zu ortsspezifischen Phänomenen: Dunkelheit und Lichtverschmutzung, Landschaften, die durch Abbau und Klimawandel verändert wurden, sowie Gewässer als Schnittstellen von Natur und Kultur. Diese Kontexte fungieren als Forschungsumgebungen, durch die ich über Transformation, Fragilität und Resilienz reflektiere.
Ich arbeite in Malerei, Papierarbeiten, Performance, Keramik und Druckgrafik. Der Dialog zwischen den Medien ermöglicht Verschiebungen in Maßstab, Haptik und Temporalität. Jedes Medium dient als Versuchsfeld für die anderen innerhalb eines fortlaufenden Forschungsprozesses.
Konzeptionell bezieht sich meine Arbeit auf östliche und westliche Ansätze zu Landschaft und Energie — einschließlich des japanischen Konzepts Ma, der Vorstellung von Chi und kunsthistorischer Traditionen von Materialität und Sublimität. Durch Abstraktion versuche ich, Landschaft als erlebte Kraft zu artikulieren: instabil, geschichtet und ständig im Fluss.
Ingrid Simons
2026
DÉCLARATION D’ARTISTE
Ma pratique étudie le paysage comme une condition physique, énergétique et temporelle, et non comme représentation. Je développe la peinture comme un champ spatial où se croisent processus matériel, perception corporelle et forces environnementales. Le travail se situe dans un discours sur l’abstraction qui conçoit la peinture non comme image, mais comme événement : un lieu où matière, mouvement et temps deviennent visibles. Ma pratique contribue à la peinture contemporaine en réactivant le paysage au sein de l’abstraction comme un espace d’investigation incarnée, matérielle et écologique.
Au cœur de ma pratique se trouve une méthodologie orientée par le matériau. Travaillant wet-on-wet avec de la peinture à l’huile pure et de la térébenthine, je laisse la dynamique de viscosité, gravité et geste façonner l’image. Construction et dissolution opèrent simultanément : des couches sont construites, perturbées et partiellement effacées. Ce processus accumule plusieurs temporalités sur une seule surface. Les peintures résultantes sont des champs (presque) abstraits où le paysage n’est pas représenté mais mis en acte comme énergie, densité et atmosphère.
Ma contribution réside dans le développement de l’abstraction comme forme de traduction environnementale. Les actions performatives dans des paysages spécifiques constituent la base de recherche de mon travail. Lors de séjours prolongés dans des environnements isolés — notamment en Norvège et au Portugal — j’utilise le corps comme instrument réceptif pour enregistrer l’échelle, la résistance, la lumière et la désorientation spatiale. Ces expériences incarnées fonctionnent comme recherche de terrain. L’atelier devient un lieu de traduction où les expériences spatiales et énergétiques sont condensées dans le plan bidimensionnel.
Mon travail récent se concentre sur le paysage comme force autonome, s’éloignant des éléments figuratifs antérieurs. J’examine comment l’abstraction peut fonctionner comme un « portrait d’une forme » : comment les forces géologiques et élémentaires peuvent être articulées sans représentation. Les questions récurrentes portent sur la relation entre l’échelle humaine et les systèmes naturels vastes, la manière d’aborder le sublime sans romantisme, et la capacité de la peinture à maintenir la tension entre contrôle et contingence.
La pratique se déploie en séries de recherche sur des phénomènes spécifiques au site : obscurité et pollution lumineuse, paysages transformés par l’extraction et le changement climatique, et masses d’eau comme zones d’intersection entre nature et culture. Ces contextes servent de terrains de recherche à travers lesquels je réfléchis à la transformation, la fragilité et la résilience.
Je travaille dans la peinture, les travaux sur papier, la performance, la céramique et la gravure. Le dialogue entre les médiums permet des variations d’échelle, de tactile et de temporalité. Chaque médium agit comme un terrain d’expérimentation pour les autres au sein d’une trajectoire de recherche continue.
Conceptuellement, mon travail engage des approches orientales et occidentales du paysage et de l’énergie — incluant le concept japonais de ma, la notion de chi, et des traditions historiques de l’art centrées sur la matérialité et le sublime. Par l’abstraction, je cherche à articuler le paysage comme force vécue : instable, stratifiée et en flux continu.
Ingrid Simons
2026
Ingrid Simons
Depuis l’obtention de son diplôme (1999), l’artiste visuelle Ingrid Simons a construit une pratique professionnelle active, nationale et internationale. Les performances, dans lesquelles elle recherche la connexion avec et dans la nature, toujours vêtue de noir comme « véhicule » de la performance, sont le point de départ de son travail.
À partir de ces performances dans la nature, elle crée des peintures à l’huile abstraites, expressives et empâtées, inspirées par sa connexion avec la nature et la connexion entre l’homme et la nature. L’exploration sur place et l’expérience physique de ces immenses paysages naturels déserts et la traduction de ceux-ci dans des œuvres grand format sur papier sont caractéristiques. Travailler dans l’extrême sud et le nord de l’Europe, au Portugal et en Norvège, où les forces de la nature sont encore directement visibles et tangibles, a une grande influence sur son travail. Simons réalise également des céramiques, des œuvres graphiques et des œuvres sur papier.
Le personnage principal dans le travail de Simons est le paysage naturel immense, brut et inclassable.La sublimité de la nature et le lien (difficile) entre l’homme et la nature sont une source permanente de nourriture pour les paysages empâtés et abstraits, qui montrent la manière réfléchie dont Simons se rapporte au monde.
Quelques examples des oeuvres d’Ingrid Simons :
Des séries thématiques racontant l’évolution des paysages due au changement climatique concernant le lien entre l’homme et la nature, comme la pollution lumineuse dans ces différents lieux de travail internationaux: la série “Distortion” (Van Gogh AiR, 2022) en contraste avec les œuvres sur les “Dark Sky Reserves” de l’Unesco, la série “Nebulosa” (Fondation Obras, Sud du Portugal, 2022-24).
La série berlinoise “Wenn die Nacht zum Tag wird” (Projets Livingstone Berlin), qui parle de pollution lumineuse et de paysages urbains déserts chargés d’histoire, l’intrigue et l’inspire.
Séries inspirées de peintres du passé : par exemple la série “Darknesse seduce me”, inspirée de Barthold Jongkind en collaboration avec le musée Jan Cunen à Oss, “Het Licht en Het Duister” (2017), “Nachtbloemen” et “De Nachtelijke Heide” (2022) inspirées de Vincent van Gogh lors de ses périodes de travail au Van Gogh AiR à Zundert et “Night Rises, Turrells’Partituur”, inspirée du skyspace de James Turrell (KH Messen, Hardangerfjord, 2019-2023).
Solo “No Moon In Paris”, Atelier Néerlandais, Paris (December 2025)
